Tagged: Photography

Хельмут Ньютон: Высокая фотография

Фильм рассказывает об одном из самых значимых и известных фотографов современности – Хельмуте Ньютоне, чьи провокационные эротические черно-белые фотографии не сходили со страниц и обложек «Vogue» и многих других знаменитиых изданий. Ньютон стремился воплотить в своем творчестве красоту человеческого тела и совершенство линий. Эротизм его работ балансирует порой на грани шокирующих откровений, но именно они сделали своего автора мировой знаменитостью.

Из фильма зритель узнает, что думают и говорят о Хельмуте Ньютоне, люди работавшие с ним: Шарлотта Рамплинг, Катрин Денёв, Карл Лагерфельд, Сигурни Уивер, продюсер Роберт Эванс, редактор «Венити Фейр» Тина Браун, жена Джун Ньютон. В кадре появляются Фэй Данауэй и Кендис Берген.

В современном искусстве Хельмут Ньютон считается одним из культовых фигур, не уступая в известности Энди Уорхоллу и Сальвадору Дали.

 

“Фотография – процесс совращения. Как бы ни был властен человек в жизни, в момент фотосъемки он принадлежит тебе целиком. Не всем фотографам удается совратить моделей. У моей жены и у многих других не получается. Они – честные фотографы. Я – нечестный.”

“Меня интересует власть – будь то сексуальная или политическая. В своем творчестве я насмехаюсь над массовой культурой, создавшей конвейер, призванный регулировать и направлять желание. Хотя мне трудно дистанцироваться от подобного стиля мышления: в собственных фотографических фантазиях я в избытке нахожу черты манипулятивности и постановки.”

Джефф Уолл. Городские пейзажи

Канадский фотограф, наиболее известный своими крупноформатными фотографиями и статьями об истории искусства. Его фирменным приемом стали фотографии на полупрозрачной пленке, вставленные в лайтбоксы.

Джеффа Уолл славится фотографиями большого формата, изобразительный ряд которых простирается от простых уголков городской среды до работ, которые по масштабам и сложности сравнимы с живописью девятнадцатого века.

Уолл пришёл к идее создания больших, с подсветкой, фотографий после того как увидел световую рекламу из окна автобуса. Он как раз побывал в Прадо, в Мадриде, и художник скомбинировал свои знания западной изобразительной традиции (он изучал историю искусств в Лондоне) со своей заинтересованностью в современных медиа, чтобы создать одну из самых влиятельных концепций в области современного искусства.

Будучи студентом, Джефф Уолл экспериментировал с концептуальным искусством, создавал такие работы, например, как монохромная живопись и коллажи из текста и фотографий. Затем Джефф Уолл вплоть до 1977 года не создавал произведений искусства.

В 1977 году он начал цикл фотографий, которые обращались к истории искусства и исследовали проблемы репрезентации. Композиции этих фотографий часто повторяют произведения таких художников как Веласкес и Мане. «Picture for Women» 1979 года — одна из таких работ.

Это «римейк» одной из самых значительных картин Эдуарда Мане “Бар «Фоли-Бержер»(1881—1882). По признанию самого Джеффа Уолла, картина произвела на него сильное впечатления, когда он, будучи студентом, увидел её в институте Курто в Лондоне. Ему захотелось проанализировать и воспроизвести структуру композиции.

Джефф Уолл добился международной известности, детальнейшим образом создавая события, взятые не из жизни, а выстроенные исключительно для камеры. Хотя они выглядели так, будто были сняты случайно. Пустячные происшествия, уличные сценки. В 1980-х Уолл представил эти снимки в виде больших прозрачных пленок, помещенных в подсвеченные стеклянные витрины, вроде тех, что используются в рекламе.

Они преподносились как нечто вроде живописных картин из современной жизни, при этом следовало понимать, что это работа отнюдь не документальная. Джефф Уолл занимался конструированием фотографических сцен. «Mimic» (1982) — типичная постановочная фотография Уолла. Она показывает белую пару и азиата, идущих по улице. Задний план — типичный североамериканский промышленный пригород. Белый парень делает не очень заметный, но оскорбительный жест, передразнивая разрез глаз азиата.

С распространением технологий, методов цифровой обработки изображения, произошёл выход на новый уровень. Теперь Уолл, отказавшись от режиссёрской импровизации на месте съемок, мог создавать свои работы в студии, деталь за деталью, персонаж за персонажем. Затем он формировал цифровое изображение, аналога которому в реальности никогда не было, подчеркнуто заботясь, чтобы структура изображения композиционно отражала академическую живописную традицию. Эту методику зритель воспринял как знак, что фотография вернулась к традициям исторической живописи. В то же время зритель продолжал видеть в фотографии отчетливые притязания на внешнюю правдоподобность.

Джефф Уолл стал известен российской публике благодаря одной из таких работ — «Говорят мертвые войны» — в 2003 году её, показанную в рамках выставки «Москва — Берлин», не пустили в Исторический музей, где размещалась российская часть проекта.

Сол Лейтер. «В фотографии мне нравится двусмысленность»

«В фотографии мне нравится двусмысленность. Когда зритель не уверен, что именно он видит… Я ценю именно этот момент замешательства»

Из Питсбурга в Нью-Йорк

Сол родился в 1923 году в семье ортодоксальных евреев. Его отец был раввином и желал, чтобы сыновья следовали по его стопам. Вместе с братьями Сол с 12 лет изучал теологию и в итоге поступил в духовную школу.

Примерно в это же время он увлёкся живописью. Конфликт с отцом начался после покупки первых тюбиков краски. Живописью, на его взгляд, занимались только неудачники с сомнительным образом жизни. В 23 года, после очередной ссоры с отцом, Сол собрал чемодан и сбежал из дома в Нью-Йорк. Всю оставшуюся жизнь братья считали фотографа «чудиком», а отец так и не смог простить сына.

Из живописца в фотографы

В Нью-Йорке Сол Лейтер знакомится с художником-абстракционистом Ричардом Пузетт-Дартом (Richard Pousette-Dart) и фотографом Юджином Смитом (Eugene Smith). Именно они «заразили» его фотографическим искусством и сильно повлияли на стиль: Юджин подарил будущему фотографу 33 мм камеру Contax, а Ричард увлёк Сола в мир абстрактного экспрессионизма.

Шёл 1949 год. Как и все в то время, Сол фотографировал на чёрно-белую плёнку, но его стиль резко контрастировал с остальными фотографами. Он снимал с непривычных ракурсов, фотографировал сквозь запотевшие стёкла, любил игру теней, отражений и силуэтов. Туман, дождь и снегопад были его лучшими помощниками, которые превращали фотографию в абстрактное изображение.

В 1953 году некоторые снимки Сола попали на выставку «Always the Young Stranger» (рус. Вечно молодой незнакомец) в Нью-Йоркском музее современного искусства. На его работы обратили внимание журналы Esquire, Vogue и Harper’s Bazaar. Чтобы заработать на жизнь, Сол согласился фотографировать для этих изданий. Без особых успехов так он проработал следующие 20 лет. Несмотря на известность журналов самого фотографа мало кто знал.

От чёрно-белой к цветной фотографии

В 1950-ых цветной плёнкой не пользовались по двум причинам. Во-первых, она была дорогой. Во-вторых, цветные фотографии ассоциировались с рекламными яркими изображениями, поэтому использовать цветную плёнку считалось моветоном.

Сол чувствовал, что цветом можно сказать больше. Поэтому купил просроченную плёнку и пошёл фотографировать улицы Нью-Йорка. Фотографировал он, правда, только для себя. Цветные снимки Лейтер почти не распечатывал. Лишь изредка показывал друзьям через проектор.

Дефекты на снимках из-за испорченной плёнки делали работы Сола еще более абстрактными. Более того, фотограф наносил мазки краски на плёнку и дополнительно раскрашивал некоторые распечатанные снимки, чтобы они были чем-то средним между фотографией и живописью.

От фэшн фотографии к уличной

Уличная фотография зародилась в 1950-ых годах и сразу стала прибыльной сферой для фотографов. Большие суммы и популярность получали эмоциональные снимки о нищете, убогости и депрессии послевоенного времени. Неудивительно, что большинство фотографов стремились запечатлеть Нью-Йорк именно таким.

«Некоторые фотографы думают, что, снимая человеческие страдания, они решают серьезные проблемы. Я не думаю, что нищета глубже, чем счастье».

Сол никогда не мечтал о популярности и больших деньгах. Поэтому в противовес остальным, он искал красоту в повседневной жизни и приятных для глаз цветах. Фотографа не интересовал сюжет. Его работы поэтичны: неясные фигуры, преломленный свет и легкая, завораживающая недосказанность. Свои снимки продать Лейтер даже не пытался. Они были только для него и друзей. На жизнь он продолжал зарабатывать съёмками для журналов.

 

«Работа в модных журналах для меня была исключительно источником заработков. Надо было платить аренду, электричество, как-то жить. Но иногда идеи, которые рождались во время фэшн-съемки, впоследствии пригодились для моих любительских занятий фотографией» — говорил Сол.

От неизвестности к славе

В 1993 году галерист Говард Гринберг (Howard Greenberg) первый раз заметил в музее несколько чёрно-белый работ Лейтера. Через 5 лет они случайно пересеклись на одном из мероприятий. Говард спросил Сола нет ли у него каких-нибудь ещё работ. Вскоре Гринберг получил несколько ящиков с непроявленной плёнкой. Позже Говард вспоминал: «Чтобы отнести плёнки на проявку, я буквально сдувал с них слои пыли. Оказалось, что их никто не трогал почти 50 лет!»

Вскрытые ящики и неохотное «да» Сола на публикацию снимков повлекли за собой международные выставки, 3 книги о фотографе, биографический фильм и новое поколение фанатов. На пике славы 75-летний Сол по привычке жил скромно. Своей главной амбицией он называл оплаченные счета, а единственным желанием — чтобы во время готовки любимой пасты всегда находился в шкафчике подходящий соус. Умер фотограф в 2013 году в возрасте 89 лет.

Текст

Евгения Арбугаева. 4 докуменальные серии

Евгения Арбугаева
IV документальных серии.

I.

После распада СССР Тикси, некогда населенный поселок, научная и военная база и крупный морской порт, фактически перестал существовать. Вернувшись в родные края после многолетнего отсутствия, Евгения Арбугаева попыталась совместить в своем проекте сегодняшнюю безрадостную жизнь северян и ностальгические воспоминания о доме и детстве.

«Проходит время, и ты не можешь быть уверен, что твои воспоминания — правда. Я хотела удостовериться, что это место действительно существует» (Евгения Арбугаева).
Главными героями истории стали жители Тикси — 12-летняя Таня и пожилой сосед дядя Ваня. Работа над фотопроектом продолжалась два года и в процессе получила грантовую поддержку от Magnum Foundation Emergency Fund.

Евгения Арбугаева (р. 1985) окончила факультет предпринимательства в культуре в Международном университете (Москва) и курс Международного центра фотографии и фотожурналистики (Нью-Йорк). Свой первый проект Евгения посвятила оленеводам Якутии, затем работала на National Geographic и другие зарубежные издания. В настоящее время является фриланс-фотографом в России и США.

II.

Самый одинокий человек на Земле.

Знакомьтесь, россиянин Вячеслав Короткий – профессиональный полярник, специалист-метеоролог и возможно самый одинокий человек на планете. Последние тридцать лет он путешествовал на арктических кораблях и иногда оставался в ​Ходоварихе, когда-то бывшей посёлком на берегу Баренцева моря, а теперь ставшей полузаброшенным маяком, в котором он регулярно проводил метеорологические замеры.

У Короткого есть жена, но живёт она очень далеко от его основного места работы – в Архангельске. Вячеславу 63 года, детей у них с женой нет.

 

Фотограф Евгения Арбугаева, выросшая в городе Тикси, ​по заданию The New Yorker побывала в гостях у полярника и сделала несколько великолепных снимков о его работе и жизни.

“Мир городов чужд ему, он его не приминает. Я думала, что Вячеслав сбежал от мира по какой-то причине: может, от каких-то проблем или какой-то трагедии. Но это совсем не так. Ему вообще не одиноко здесь, в тундре. Он всегда вместе с ветром, вместе с погодой, которую изучает”, – говорит Евгения.

III.

Мамонты обитали на нашей планете больше 10 000 лет назад. Главные причины того, почему вымерли мохнатые гиганты, — изменение климата и охота, хотя в последнее время появились сведения том, что мамонтов погубили генетические мутации.

Наши предки ценили мясо и шерсть животных. В XXI веке охота продолжается, но на этот раз главная добыча — кости мамонтов. «Моя Планета» уже рассказывала о жизни сибирских браконьеров в изображении фотографа Амоса Чаппла.

 

В центре репортажа — браконьер Слава Долбаев в поисках останков мамонтов на побережье острова Большой Ляховский. У местных «охотников» уходит несколько дней на то, чтобы освободить драгоценные бивни от ледяного плена. После этого их доставляют на лодках в лагерь, а затем передают заказчикам. Стоимость одной кости может достигать нескольких тысяч долларов. Спрос на товар огромен по всему миру, однако большая часть добытых останков (примерно 60 т в год) приходится на китайский рынок.

IV.

На вершине холма в северо-восточной части Танзании, высоко в горах Узамбара, воспоминания – это осязаемые вещи. Два года назад в Восточную Африку приехала фотограф Евгения Арбугаева, чтобы снять то, что осталось от заброшенной исследовательской станции Амани Хилл, и создать образы, которые бы запечатлели атмосферу этого темного и волшебного места.

 

Владимир Миливоевич aka Boogie

Буги (родился в 1969 году Владимир Миловиевич) – легендарный уличный фотограф из Сербии, базирующийся в Бруклине, Нью-Йорк.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Он известен своими документальными и портретными фотографиями людей на ‘полях общества. Его работы были опубликованы в The New York Times, Time, The Huffington Post, Huck, и показаны на канале HBO (на тв-шоу How To Make It In America).

В 1997 году Boogie получил грин кард для законного постоянного проживания в Соединенных Штатах в рамках своей лотереи программы Diversity Immigrant Visa. Он переехал в Нью-Йорк в 1998.

Он был показан в документальном фильме Шерил Данн Everybody Street (2013) вместе с другими фотографами, которые использовали улицы Нью-Йорка в качестве основного предмета в своей работе.

Брюс Дэвидсон. Нью-Йоркская подземка 80-х

Дэвидсон начал снимать в метро в начале 1980-х годов, как раз во времена расцвета преступности в общественном транспорте в Америке и появления всюду первых сумасшедших граффити. Следуя традициям Уолкера Эванса и Джона Конна, Дэвидсон запечатлел особенный подземный мир Нью-Йорка со своими обитателями, запахами и красками. При этом он никогда не ездил налегке и со своим тяжеловесным дорогостоящим оборудованием представлял неплохую мишень для грабителей-одиночек и местных банд, которые относились к Дэвидсону с любопытством и удивительным образом позволяли себя фотографировать. Фотограф не боялся опасности и мог в течение нескольких месяцев жить в бедных районах, чтобы собрать материал. Так вышло, что именно серии фотографий, сделанных им в Бруклине и Гарлеме, принесли Дэвидсону славу и признание.

Легендарные фэшн-фотографы. Брюс Вебер

Модная фотография Вебера впервые появилась в журналах в конце 1970-х годов в журнале GQ. Нэн Буш, его давний спутник и агент удалось заключить контракт с Федеративными магазинами, чтобы снять почтовый каталог в Bloomingdale 1978 года.

Вебер обратил на себя внимание общественности в 1980-х и начале 1990-х годов кампэйном Calvin Klein и своим портретом молодого актера Ричарда Гира. Его простые черно-белые снимки, на которых была изображена развязная гетеросексуальная пара на качелях, нахожившихся лицом друг к другу, пара одетых мужчин в постели и фото модели Маркуса Шенкенберга, с едва державшимися джинсами в душе обеспечили Веберу внимание всей нации.

Чэнь Цзяган. Шелковый путь

Чэнь Цзяган 陈家刚 (родился в 1962 году в Чунцине) начал свою деятельность в качестве фотографа в 2000 году. Сначала он учился на архитектора и управляющего музея. С тех пор он создал потрясающие произведения, которые смешивают документальную и поставленную фотографию. Этот художник был свидетелем потрясений китайского общества и, похоже, решил показать свою страну прямо, вернуть память о своих гражданах, осознавая свою собственную субъективность и стремление к переосмыслению. Города в руинах, раздираемые пейзажи, заброшенные или возрожденные заводы, все эти места проникнуты историческим прошлым и в то же время неопределенны. Чэнь нравится добавлять прозрачное женское присутствие в этом урбанистическом хаосе, как к историческому прошлому, так и к его собственной памяти. Цзяган создает широкоформатные фотографии, в которых он захватывает эхо прошлого, забытую память, необходимую реализацию. Несмотря на очень напряженный график, Чэнь согласился ответить на мои вопросы 30 марта 2012 года.

Ваши фотографии в большом количестве цветов. Однако иногда вы используете черный белую гамму, почему?

Я довольно редко использую черно-белые изображения, потому что мне очень нравится цветная фотография. Меняющиеся цвета позволяют мне передать мои эмоции, которые сами исходят из моей собственной субъективности и намерения.

Многие из ваших фотографий показывают города в руинах или разрухе. Похоже, это беспокойство по поводу таких масштабных разрушений разделяется с другими китайскими художниками. Как вы думаете, в ваших работах есть какая-то тревога в отношении современности?

Независимо от страны, когда люди имеют сильный менталитет, их поведение по отношению к природе и окружающей среде выходит за рамки развития, и, к сожалению, неизбежны руины. Образ руин может выглядеть по-разному на моих фотографиях, это может подразумеваться мусором, туманом и т.д. Независимо от того, в каком формате это отражено, во всех случаях это вызывает мое беспокойство.

Ваша серия «Шелковый путь» кажется близкой к живописной фотографии или шаньшуй (китайский термин, относящийся к традиционным пейзажным картинам). Вы возродили китайскую традицию? Является ли практика референсов и отсылок важными в ваших работах?

По правде говоря, все мои фотографии исследуют и используют китайскую традицию и ее эстетические принципы. В частности, понятия времени и пространства встречаются в древней философии, изометрической перспективе и перекрытии слоев ландшафта.

Каковы сходства и различия между вашими пейзажными фотографиями и фотографиями прошлого?

Пейзажная фотография сродни пейзажной живописи с древних времен. Это выход для художника, чтобы противостоять безнадежной реальности сегодняшнего мира. В этом смысле мои пейзажи относятся либо к прошлому, либо к моему личному опыту.

Загрязнение окружающей среды также является еще одной темой, которая часто проскальзывает на Ваших работах. Вы хотели поговорить об этой проблеме в своей серии Silk Road?

«Шелковый путь» не повествует о проблеме загрязнения окружающей среды. Вместо этого он стремится переосмыслить сегодняшний мир, предложив, чтобы иная форма цивилизации могла быть ответом на решение многих культурных проблем. Кроме того, в этой серии предлагается еще один способ расшифровать экономический кризис.

Туман – это повторяющийся элемент в ваших работах. В чем его смысл?

Туман – это, прежде всего, символ последствий, когда люди грабят природные ресурсы.

У вас были проблемы с созданием серий “Третьего фронта”, “Великого Третьего фронта” и “Смог-Сити”? Думаю, некоторые люди препятствовали Вам.

У меня было много неприятностей; есть много мест, которые мне не разрешили снимать. Худший опыт, который у меня был, – это случай, когда люди, вооруженные оружием, заставили меня выйти из места, которое я хотел сфотографировать.

Что вы думаете о современной китайской фотографии?

Я думаю, что нынешнее состояние довольно сложно. Я надеюсь, что будет больше людей; для такой большой страны мало фотографов.

Кто Вам любимый фотограф?

Мне нравится чешский фотограф Йозеф Куделка, в частности, как он фотографирует политику и людей.

Каковы ваши ожидания относительно будущего?

Я хотел бы создать десять других серий по одной за год, а затем продолжать снова в течение десяти лет и проводить остальные годы в таком же ритме.

Интимные дневники. Лина Шейниус

Лина Шейниус родилась в шведском городе Вэнерсборг в 1981 году. С 16 лет она большую часть времени живет и работает в Лондоне. Когда Лине исполнилось 10 лет, родители подарили ей камеру на день рождения. В этот же день она использовала 2 пленки. С тех пор Лина делает фотографии себя, друзей, моделей и всех, кто находится рядом с ней. При помощи камеры она превращает банальную повседневность в интересный и интимный репортаж. Смотрим ли мы на городской пейзаж или на портрет девушки, сидящей на выцветшем ситцевом диване, мы чувствуем себя погруженными в ее цветущий мир. Работы Лины охватывают моменты прошлого и настоящего, щедро позволяя героям предстать перед зрителем без застенчивости и масок.

Стивен Мейзел. Крестный отец моды

Крестный отец моды — именно так называют Стивена Мейзела сейчас, родился 6 июля 1954 года, в Нью-Йорке. С самого детства увлекался модой, в то время как другие мальчишки читали комиксы, Стивен смотрел журналы мод и мог легко назвать автора по его снимку.

Мейзел выучился в школе дизайна Парсонс, и устроился работать иллюстратором в Women’s Wear Daily. В один прекрасный день его попросили сделать несколько простеньких снимков для портфолио начинающих моделей агентства Elite, так бы все и закончилось, если бы эти снимки случайным образом не попали к редакторам Seventeen. Так мир моды обрел еще одного гения.

С 1988 года он регулярно фотографирует для итальянского Vogue, в 1991 выходит очередной номер журнала с Мадонной на обложке, снимок так понравился самой певице, что она приглашает фотографа сделать обложку для своей скандальной книги «Sex», а затем попросила создать обложки нескольких альбомов и синглов — «Like A Virgi», «Bad Girl».

I watch 8 1/2 a lot. I could watch anything by Fellini a million times! But, I can’t deal with Satyricon or Roma any more. I love all the European movies. I like Antonioni. I can always watch Blow-Up because of course that was an inspiration, but not as much as I used to.

Фотограф становится по-настоящему популярным и влиятельным в fashion-индустрии. Это он снимает легендарную рекламную кампанию для Джанни Версаче с Наоми Кэмпбелл, Линдой Евангелистой и Кристи Терлингтон, после которой мир узнал что такое супермодель.

Именно с его легкой руки Наоми Кэмпбелл стала первой чернокожей моделью попавшей на обложку Vogue. С этого момента Стивена Мейзела мечтают заполучить все модные дома мира, и он снимает, много снимает…

В промежутках между фотосессиями пишет книгу «Стивен Мейзел», которая была опубликована немецким teNeues Buchverlag в 2003 году и полностью распродана.

Именно он открыл миру Коко Роша и многих других талантливых моделей.В 2009 году Vogue представляет специальную фотосессию »The Godfather» (Крестный отец), которая посвящена Стивену Мейзелу и знаменитым моделям прошлого и настоящего, раскрытию которых он способствовал.