Tagged: Fashion

UNDERCOVER AW18-19 SHOW

«We Are Infinite» стал последним женским показом (да, среди моделей вы увидите звезду Stranger Things Сэди Синк) Джуна Такахаси – по крайней мере на некоторое время. Вместо этого, Undercover сосредоточится на мужской линии, которая была представлена лишь дважды. Undercover дебютирует на Парижской неделе моды в этом июне.

В разговоре с BOF Такахаси признался, что чувствовал давление в женской моде, создавая слишком концептуальную одежду, которая соответствует зрелищу его показов. Бренд стал известен своим альтернативным, тягостно-тематическим характером (Показ SS18’s Cindy Sherman, вдохновленный The Shining, и утопической феерией AW17, с перформансом художницы India Menuez, особенно выделяются).

Тем не менее, в мужской моде Такахаси считает, что он все еще может сохранить театральные аспекты своих выступлений. «Несмотря на то, что для меня важно сделать впечатляющее шоу, одежда, которую я делаю должна быть безукоризненной, – заявил дизайнер.

Такахаси полностью не отказывается от женской моды, он просто переосмысливает, как представлять свои коллекции «уникальными другим способом».

Легендарные фэшн-фотографы. Паоло Роверси

Паоло Роверси известен своими воздушными и изящными портретами. Его работы висят в музеях и украшают обложки журналов Vogue, Elle и Marie Claire и скорее напоминают старинные изображение, сделанные в начале XX века, когда фотография только набирала популярность. И лишь его хрупкие модели, одетые в шикарные наряды Christian Dior, Givenchy и Yeves Saint Laurent возвращают нас в наши дни. Его необычные изображения, нежные и в тоже время глубокие и насыщенные, сделали его настоящей иконой мира фотографии.

Паоло Роверси родился в 1947 году в небольшом итальянском городке Равенна. Будущему мэтру фотографии было всего 17 лет, когда он увлекся фотографией во время своего отдыха с родителями в Испании. По приезду домой вместе со своим другом, местным почтальоном Батиста Мингуцци, который так же был увлечен фотографией, они организовывают в старом винном погребе небольшую фотолабораторию, где он проявлял пленку и печатал свои первые черно-белые снимки. Свои первые уроки фотомастерства Роверси брал у местного фотографа Невио Натали, в студии которого он проводил все свое свободное время.

В 1970 году Роверси стал сотрудничать с агентством «Associated Press», где первым его заданием стала съемка похорон американского поэта Эзры Паунда в Венеции. В том же году вместе со своим другом Жанкарло Грамантьери Роверси открывает в своем родном городе первую фотостудию, где начинает снимать местных знаменитостей вместе с их семьями.

В 1971 году произошла изменившая всю его жизнь встреча с Питером Кнаппом (Peter Knapp), легендарным редактором журнала Elle и весьма уважаемым модным фотографом, по приглашению которого осенью 1973 года он навсегда перехал в Париж. В Париже он начинает работать для агентства «Huppert», но постепенно благодаря новым знакомствам и связям, начинает заниматься модной фотографией. На тот момент он пока мало что знал о фэшн-съемке, но позже стал открывать для себя «сильные и в то же время утонченные» работы Аведона, Пенна, Ньютона, Бурдена и многих других фотографов. Как вспоминает сам Роверси, когда он только начинал свою карьеру, модных фотографов было очень мало, поэтому ему не составило особого труда стать одним из них.

В 1974 году Роверси становится ассистентом британского фотографа Лоуренса Сэкманна (Lawrence Sackman), который был известен своим тяжелым и очень непростым характером, большинство ассистентов которого не выдерживало с ним и недели. Роверси продержался у него целых 9 месяцев, говоря, что именно у него он получил те самые знания, благодаря которым он стал профессиональным фотографом. После смерти Сэкманна Роверси начал собственную карьеру модного фотографа, работая для журналов Elle, Depeche Mode и Marie Claire.

«Я так гордился своей первой публикацией в Marie Claire — вспоминает фотограф. Я купил сразу несколько номеров журнала. Из одного я очень аккуратно вырезал страницы, чтобы вставить в свое портфолио, а остальные журналы я разослал всем своим родным и друзьям. Спустя две недели я зашел на рынок и увидел, что страницы с моими фотографиями использовали для заворачивания рыбы. Знаете, это было словно пощечина. В другой раз я видел одну даму, читающую этот журнал. Она читала очень внимательно, аккуратно перелистывая и подолгу изучая каждую страницу. Но когда она дошла до моей съемки она пролистала ее с таким равнодушным лицом, словно на них не было ничего особенного, достойного ее внимания. Как раз в тот момент я понял, что невозможно понравится абсолютно всем».

 

Всемирная известность к Роверси приходит в 1980 году, после подписания им контракта с Christian Dior. Тогда же фотограф и провел свою первую съемку на только что вышедшую камеру Polaroid, делавшую снимки 8х10. Он был настолько очарован этими фотографиями, с их непредсказуемым сочетанием цветов, контрастом и текстурами, что продолжил и дальше свои эксперименты, вследствие чего именно эта техника моентальной фотографии стала его визитной карточкой.

Всю свою жизнь Роверси предпочитает снимать в студии. В первые годы его жизни в Париже студией ему служила комната в его собственной квартире. Но в 1981 году он открывает студию на улице Paul Ford, 9, которая существует и по сей день. Техника съемки Паоло Роверси основывается на длинных выдержках, которые порой могут длиться целую минуту и на технике «световой кисти», причем его моделям все время приходится сохранять статичную позу. Фотограф признается, что даже сам не в состоянии объяснить тот факт, что с более длинной выдержкой снимки становятся гораздо глубже, она словно «дает время раскрыться душе». Он предпочитает снимать на редкие камеры Deardoff, Leica и Rollei, которые позволяют делать снимки с великолепной проработкой деталей, разрешения которых хватает, чтобы сделать огромный плакат размером с жилой дом. Но для самого фотографа весь секрет заключается не столько в технике, сколько в работе с моделью. В своих моделях Роверси в первую очередь ищет внутренне содержание и выразительность. «Самое главное — говорит фотограф — чтобы глаза модели не были пустыми. Это всё миф, что прославленный фотограф, сделает вам из некрасивой и совершенно пустой девушки прекрасную нимфу эпохи Возрождения. Серая мышь и на пленке останется серой мышью».

Вы редко работаете с импульсным светом, предпочитая постоянный свет и естественное освещение. Почему?

Мой любимый и основной жанр — портретная фотография. Даже ню-съемки я осмысляю как портреты. Основная часть любого портрета — это глаза и взгляд модели. Естественный свет, а также источники искусственного постоянного освещения позволяют использовать длинные выдержки. Мне сложно объяснить с технической точки зрения, почему портреты, снятые с длинной выдержкой, выглядят естественнее, глубже и трогательнее — но это, несомненно, так. Я пришел к этому выводу, изучая старые фотографии — фотографы того времени были просто вынуждены использовать длинные выдержки в силу технических ограничений.

Какими источниками света Вы пользуетесь?

В основном я использую естественный свет и источники постоянного освещения. Моя находка — использование фонарика MagLite.

А какой из них — Ваш любимый?

Основа основ — естественное, дневное освещение. Если свет — это жизнь, то солнце — главный источник этой жизни. Поэтому, когда речь идет о свете, на ум мне всегда приходит солнце. Когда я снимаю с естественным освещением, я всегда задумываюсь о том, какую долгую дорогу проделал свет, падающий на мою модель.

Много лет назад, когда фотография только зарождалась, один из первых фотомастеров, Надар, сказал: «Вы можете постигнуть искусство освещения, но научить чувствовать свет невозможно». Освещение — это вопрос не техники, а, в первую очередь, ощущения. Даже если кажется, что в данной конкретной ситуации работать со светом несложно, в игру вступает огромное количество факторов: где расположена камера и модель, что находится на переднем или заднем плане, как падают лучи солнца, какая на небе облачность и так далее. Конечно, можно в любой момент использовать искусственные источники освещения, но передать то чувство, то ощущение, что несет естественный свет — задача непростая.

Как менялось Ваше отношение к искусству управления светом с течением карьеры?

В начале работы освещение на моих снимках очень сильно отличалось от нынешнего — оно было очень жестким. Тогда, работая со светом, я чувствовал себя не слишком уверенно и очень много времени посвящал его постановке — можно сказать, наша связь только зарождалась. Сейчас мы гораздо лучше знаем друг друга и работать стало гораздо проще.

Раньше я, как и многие молодые фотографы, старался показать, как искусно я умею работать со светом — в этом был элемент хвастовства. Сейчас я стал гораздо более скромен и не делаю акцента на освещении. На первый план выходит модель, а все остальное, включая освещение, лишь дополняет ее.

Это сильно поменяло Ваш подход к работе со светом?

Я стараюсь мыслить свежо и спонтанно, работать максимально свободно. Когда я утром прихожу в студию, то часто вижу осветительные приборы, расставленные в случайном порядке — так, как мой ассистент оставил их накануне. Я могу просто включить оборудование и, ничего не меняя, начать снимать. Шанс сделать что-то новое очень много для меня значит.

Опишите свою последовательность постановки света.
При работе в студии всегда следует начинать с основного источника — для меня это всегда солнце, даже если я работаю с лампами накаливания или прожекторами. Первым делом я пытаюсь понять, как будет выглядеть моя модель при освещении солнцем — оценить угол, под которым падает свет, его яркость, направление, расположение теней. Только после этого я могу приступить к работе со светотеневым рисунком, добавить какие-то отражения или дополнительные источники света.

А как насчет Вашего знаменитого фонарика?

Работая с фонарем, я полностью отказываюсь от других источников света и двигаюсь в темноте. Важно продумывать, как долго будет освещаться та или иная часть тела модели. Точность движений фонарем тоже очень важна — от нее напрямую зависит качество светотеневого рисунка.

Это в чем-то сродни рисованию карандашом. Писатель, художник или композитор наполняет каким-то смыслом белое полотно. Для меня же фотография — это черное полотно, на котором я пишу светом — в том числе с помощью фонарика.

Некоторые фотографы называют световые схемы, выстроенные на основе использования фонарика, «схемами Роверси». Как Вы пришли к этой технике освещения?

Вся информация о фотографии уже изучена и систематизирована. Думаю, «моя» техника съемки до сих пор не нашла применение в фэшн-фотографии из-за того, что модель не должна двигаться долгое время — ведь используется длинная выдержка. Это непросто, соглашусь, но я использую пленку Polaroid, которая отлично подходит моему стилю работы. Я сразу же вижу результат. Самое сложное здесь — правильно рассчитать экспозицию, сколько света попадет на модель. Нужно двигать фонарик очень быстро, и результат оказывается непредсказуемым — именно за это я и люблю эту технику.

Вы довольно импульсивны в выборе освещения. Случается ли такое, что у Вас не оказывается под рукой необходимого оборудования?

У меня достаточно оборудования для любой задумки. Стиль моей работы не определяется тем, с помощью чего я работаю, я могу творить с помощью любого инструмента. Существует множество световых схем, я лишь выбираю ту, которую подсказывает мне моё сердце.

Даже сейчас Вы преимущественно снимаете на пленку Polaroid?

Да, большую часть времени.

Вы снимаете только на широкоформатные камеры?

В основном я снимаю на камеры формата 8х10 дюймов. Именно поэтому я работаю с выдержками от одной до тридцати секунд. Это ограничение для меня не особенно важно — я редко использую выдержки короче четверти секунды.

Мне, в общем-то, неважно, чем именно фотографировать. У меня нет предвзятого отношения к технике, я могу использовать и камеры другого формата. Всё зависит от задачи. Я могу два или три раза за фотосессию сменить камеру, пока не найду ту, что мне больше всего подходит. Я беру в руки камеру формата 8х10 — и вот уже два часа спустя я снимаю на Leica или Linhof. Иногда я работаю с Rolleiflex формата 6х6 или Alpa формата 6х9. Еще мне очень нравится маленький PolaroidSX-70 и пластиковые Holga. Выбор техники очень субъективен и произволен!

Я меняю камеры с той же целью, что меняю приправы в салате — никто не хочет каждый день питаться одним и тем же. Но моя любимица — старая Deardorff формата 8х10. Когда она у меня в руках — я чувствую себя как дома, просто и легко.

Вам нравится мягкий или жесткий свет?

Сейчас я предпочитаю мягкое и рассеянное освещение.

— YOHJI YAMAMOTO S/S 1999

В конце девяностых Йодзи Ямамото сделал две коллекции свадебных тематик. Трудно надеть свадебную шляпу, для которой требовалось четыре сподручных, каждый из которых носил бамбуковые, поддерживающие столбы; «За свадебным платьем должно быть много историй», – рассуждает дизайнер. Коллекция стала своего рода поворотной в карьере Ямамото. Отдельный бонус за появление в конце André Leon Talley в качестве модели.

Легендарные фэшн-фотографы. Брюс Вебер

Модная фотография Вебера впервые появилась в журналах в конце 1970-х годов в журнале GQ. Нэн Буш, его давний спутник и агент удалось заключить контракт с Федеративными магазинами, чтобы снять почтовый каталог в Bloomingdale 1978 года.

Вебер обратил на себя внимание общественности в 1980-х и начале 1990-х годов кампэйном Calvin Klein и своим портретом молодого актера Ричарда Гира. Его простые черно-белые снимки, на которых была изображена развязная гетеросексуальная пара на качелях, нахожившихся лицом друг к другу, пара одетых мужчин в постели и фото модели Маркуса Шенкенберга, с едва державшимися джинсами в душе обеспечили Веберу внимание всей нации.

Стивен Мейзел. Крестный отец моды

Крестный отец моды — именно так называют Стивена Мейзела сейчас, родился 6 июля 1954 года, в Нью-Йорке. С самого детства увлекался модой, в то время как другие мальчишки читали комиксы, Стивен смотрел журналы мод и мог легко назвать автора по его снимку.

Мейзел выучился в школе дизайна Парсонс, и устроился работать иллюстратором в Women’s Wear Daily. В один прекрасный день его попросили сделать несколько простеньких снимков для портфолио начинающих моделей агентства Elite, так бы все и закончилось, если бы эти снимки случайным образом не попали к редакторам Seventeen. Так мир моды обрел еще одного гения.

С 1988 года он регулярно фотографирует для итальянского Vogue, в 1991 выходит очередной номер журнала с Мадонной на обложке, снимок так понравился самой певице, что она приглашает фотографа сделать обложку для своей скандальной книги «Sex», а затем попросила создать обложки нескольких альбомов и синглов — «Like A Virgi», «Bad Girl».

I watch 8 1/2 a lot. I could watch anything by Fellini a million times! But, I can’t deal with Satyricon or Roma any more. I love all the European movies. I like Antonioni. I can always watch Blow-Up because of course that was an inspiration, but not as much as I used to.

Фотограф становится по-настоящему популярным и влиятельным в fashion-индустрии. Это он снимает легендарную рекламную кампанию для Джанни Версаче с Наоми Кэмпбелл, Линдой Евангелистой и Кристи Терлингтон, после которой мир узнал что такое супермодель.

Именно с его легкой руки Наоми Кэмпбелл стала первой чернокожей моделью попавшей на обложку Vogue. С этого момента Стивена Мейзела мечтают заполучить все модные дома мира, и он снимает, много снимает…

В промежутках между фотосессиями пишет книгу «Стивен Мейзел», которая была опубликована немецким teNeues Buchverlag в 2003 году и полностью распродана.

Именно он открыл миру Коко Роша и многих других талантливых моделей.В 2009 году Vogue представляет специальную фотосессию »The Godfather» (Крестный отец), которая посвящена Стивену Мейзелу и знаменитым моделям прошлого и настоящего, раскрытию которых он способствовал.

Дизайн бутиков Acne Studios

Acne Studios — бренд из Швеции, основан в 1996 году Джонни Йоханссоном (Jonny Johansson), который и по сей день является креативным директором марки. Название ACNE — это аббревиатура Ambition to Create Novel Expressions (Амбиции Создавать Новые Выражения). Сегодня официальное название бренда немного скорректировано — Acne Studios.

Acne Studios — это женские и мужские коллекции, вещи из которых призваны подчеркнуть индивидуальность ее владельца. Стиль бренда: качественные вещи, отличающиеся сдержанностью и минимализмом, оригинальный крой, преобладание натуральных тканей, и, зачастую, естественные цвета.

История успеха Acne началась с небольшой серии джинсов унисекс, которая была своеобразным экспериментом. Тогда было произведено всего 100 пар, которые моментально разошлись по друзьям и клиентам. Следом была создана первая полноценная коллекция джинсов Acne в минималистичном стиле с особой деталью — красная строчка. Коллекция вызвала не только интерес многочисленной публики, но и дала возможность бренду оказаться на полках лучших магазинов Швеции. А уже через пару лет Acne обновляет свои коллекции каждую весну и осень.

Одной из отличительных черт продукции Acne является практически полное отсутствие декора, лаконичность, четкость линий и идеальная посадка по фигуре.

За 20 лет существования Acne Studios стал одним из самых востребованных брендов по всему миру. Сегодня марка выпускает женскую и мужскую коллекции одежды и аксессуаров, сотрудничает с другими ведущими брендами не только из мира моды, но и других областей.

Офис компании расположен в историческом здании в самом центре Старого города в Стокгольме. В дополнение к штаб-квартире в Стокгольме, Acne Studios имеет флагманские магазины в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и Токио.

Ник Найт (Nick Knight) X Show Studio

Английский модный фотограф, интернет-публицист и режиссер.

Ник Найт родился в Лондоне в 1958 году в семье психолога и физиотерапевта. Образование получил в Колледже дизайна и искусства Борнмут-и-Пул. Первый альбом фотографий Найта, «Скинхеды», вышел в 1982 году. Альбом был сделан на основе дипломной работы и включал снимки друзей самого фотографа (ничего общего с расизмом они не имели, а всего лишь выражали социальный протест). В скором времени его творчеством заинтересовался редактор журнала i-D Терри Джонс (Terry Jones) и сделал Найту заказ на 100 черно-белых портретов для пятого юбилейного выпуска журнала.

Вслед за выходом журнала, к Найту обратился арт-директор бренда Yohji Yamamoto Марк Асколи (Marc Ascoli), который предлагает фотографу снять каталог авангардного лейбла, что Найт и делает вместе с графическим дизайнером Питером Сэвиллом (Peter Saville).

С тех пор Найта стали приглашать самые известные журналы и бренды. За время своей карьеры он успел поработать с такими именами, как Alexander McQueen, Audi, Calvin Klein, Christian Dior, Shiatzy Chen, Jil Sander, Lancôme, Levi Strauss, Martine Sitbon, Mercedes-Benz, Royal Ballet, Royal Opera House, Swarovski и Yves Saint Lauren.

В 1993 году на обложке журнала Vogue появляется знаковое фото Линды Евангелисты (Linda Evangelista), сделанное Ником Найтом, которое послужило своеобразным символом прихода гламура на смену гранжу. Помимо этого он снимает фотографии на обложки альбомов Кайли Миноуг (Kylie Minogue), Дэвида Боуи (David Bowie), Элвиса Костелло (Elvis Costello) и других.

В 1994 году Ник Найт успешно издал ретроспективный альбом «Nicknight», куда вошли фотографии, созданные им за 12 лет карьеры, а в 1997 году выпустил альбом «Flora», где была представлена целая серия цветов. Тогда же Найт начал сотрудничать с Джоном Гальяно (John Galliano) и модным домом Dior. Сотрудничество затянулось на долгие десять лет. За это время творческий тандем сумел полностью преобразить визуальный язык бренда.

Работы Найта славятся своей спорностью. К примеру, в конце 90-х в его фотосессии снялась безногая модель, актриса и спортсменка Эйми Маллинз (Aimee Mullins). Найт является также автором нашумевшей фотосессии 2010 года для японского Vogue Hommes, в которой певица Леди Гага предстала в мужском образе.

Фотограф не раз касался таких тем, как инвалидность и старость, фотографируя престарелых звезд подиумов, а недавно он обратил свое внимание и на проблему лишнего веса, организовав фотосет с участием Софи Даль (Sophie Dahl). Однако его работы не отталкивают, а завораживают особой красотой.

«Я не стремлюсь отражать изменения в социуме – я хочу вызвать их»,

– признается Найт.

«Я чувствую, что существую в будущем. И, доложу я вам, это необычное место!»

В своей работе Ник Найт предпочитает использовать различные технические новинки, к примеру, он одним из первых в Fashion-индустрии создал фотосессию с применением приложения Instagram, а также использовал технологию “временного среза” (time-slice) при съемках короткометражного фильма «Bloom».

Режиссерские работы
В 2001 году Найт снимает свое первое видео для популярной авангардной певицы Бьорк (Bjork) на песню «Pagan Poetry», а в 2011 году – клип для Леди Гага на песню «Born This Way».

Интернет-проекты

В 2010 году Ник Найт основывает собственный интернет-проект SHOWstudio.com, который представляет собой модный ресурс. На сайте появляются интерактивные проекты, показываются фильмы и разыгрываются живые представления. Кроме того, пользуясь своими связями, Найт часто приглашает в студию различных знаменитостей, вроде Бьорк, Леди Гага, Жизель Бюндхен (Gisele Bundchen), Кейт Мосс (Kate Moss) и других, где ведет с ними беседы в прямом эфире.

Выставки и награды
Работы Найта выставлялись в различных галереях по всему миру: в Музее Виктории и Альберта, галереях Тейт Модерн и Саатчи. С 1993 года в лондонском Музее естественной истории появилась постоянная инсталляция Найта под названием «Plant Power».

Ник Найт неоднократно получал признание от различных глянцевых изданий. Так, например, своими наградами его отметили такие журналы, как Vogue, Dazed & Confused, i-D, The Face, W Magazine, Another Magazine, Arena Homme + и Visionaire.

Одну из самых престижных наград, Moët et Chandon Fashion Tribute, Найт завоевал в 2006 году.

В 2010 году фотограф был награжден орденом Офицера Британской империи.

Личная жизнь
Несмотря на творческую, требующую постоянного поиска новизны профессию, Ник Найт остается консерватором в семье. В настоящее время он живет в Лондоне вместе со своей женой Шарлоттой, с которой познакомился у себя в студии, и тремя детьми: Эмили, Эллой и Калум.

Молодые фэшн-фотографы: Harley Weir

Из никому неизвестной страницы на Тumblr, Harley Weir выросла в самого популярного фотографа в Британской модной индустрии.

“Я обнаружил блог Harley незадолго после того как она покинула университет”, — вспоминает Chris McGuigan, который основал фотоагенство Mini Title три года назад. “Она не получала большого количества заказов и её портфолио было ещё довольно сырым, но я знал наверняка, что она станет звездой”.

Так он говорит о двадцатишестилетней Harley Weir, одной из первых получившей контракт в агентстве, на сегодняшний день почти самой успешной среди новых талантов (дарований) в модной фотографии.

Weir закончила Saint Martins в 2010, но по настоящему показала себя лишь в 2014 году, после череды заказов от таких громких имён как AnOther, i-D, Pop, Arena Homme +, Dazed & Confuzed, Bottega Veneta, Armani, Maison Martin Margiela.

Она так усердно трудилась, что даже подумывает о том, чтобы сделать небольшой перерыв и “вернуться к тому, во что я когда-то влюбилась”.

“Когда так много людей вокруг занимаются коммерцией ради одной только выгоды, бывает трудно сохранять своё личное видение”, — говорит она.

Рождённая в Лондоне, Weir изучала изящные искусства и самостоятельно обучалась фотографии, используя Flickr для демонстрации своей работы и изначально пробовала себя в области музыкальной фотографии, прежде чем попасть в мир моды.

Она всё ещё загружает собственные работы в социальные сети, например в свой Tumblr. “Мной движет огромное множество вещей, но я зачастую довольно ясно чувствую, что фотография – один из немногих путей, на которых я могу сосредоточить свое внимание”, — рассказывает Harley. “Для меня чертовски сложно просыпаться по утрам ради чего бы то ни было ещё”.

Очень личные и непринуждённо сексуальные, её фотографии — это мимолётный взгляд на обнажённые части тела или волосы на интимных местах, рубиново-красные губы и каскадом струящиеся рыжеватые волосы. Но, несмотря на эротичность, они не доходят до безвкусной порнографии, возможно, из-за отсылок к художественным произведениям, на которые опираются её работы.

“У меня довольно таки старомодное ощущение искусства и оно в основном состоит из эмоций, из этого необъяснимого чувства счастья, которое ты испытываешь, когда смотришь на что-то, что кажется тебе возвышенным”, — говорит она. “Это ощущение может быть неуловимым, как утренний луч на ведре компоста,или как множество цветов гармонично сочетающихся в закате.
Изменить чью-либо точку зрения или заставить задуматься хоть на мгновение — этого для меня достаточно”.

Хотя её фотографии могут опираться на картины прерафаэлитов, вы никогда не спутаете их с работами других фотографов. “Я стараюсь как можно больше вдохновляться тем, что происходит в моей собственной жизни, так как мне кажется, что это единственный способ иметь этот “особый взгляд” на те вещи, которые каждый видел уже много раз”, — говорит Harely. “Фотография даёт мне возможность попытаться понять мир, — я всё ещё пытаюсь разобраться в жизни, так что кто знает, что ждёт меня дальше”.

«Зарисовки об одеждах и городах». Вим Вендерс

Документальный фильм режиссёра Вима Вендерса о творчестве японского дизайнера Ёдзи Ямамото.

Парижский Центр Жоржа Помпиду предложил Виму Ведерсу снять фильм о современной моде. Хотя Вендерс никогда особо не интересовался модой, это предложение стало поводом для знакомства с жизнью и творчеством Ёдзи Ямамото, который уже давно привлекал внимание немецкого режиссёра.

— PHILIP TREACY S/S97

Филип Трейси (род. 1967) — современный ирландский модельер-шляпник.

Филип Трейси родился 26 мая 1967 года в Баллинасло, графство Голуэй. Его родителям, Джеймсу Винсенту Трейси и Кэти Агнес, принадлежал хлебный магазин в городке Ахаскра.

В 1985 году Филип поступил в Дублинский национальный колледж искусства и дизайна на факультет журналистики. Увлёкся моделированием шляп и работал у британского дизайнера головных уборов Стивена Джонса. В 1988 году он поступил в Лондонский Королевский колледж искусства на магистра искусств дизайна женской одежды, с которого перевёлся на курс дизайна головных уборов.

Быстро завоевал известность среди лондонского мира моды, этому было, в частности, связано с тем, что известная модистка и журналист Изабелла Блоу носила многие из его шляп. В 1991 году Трейси создаёт шляпы для дома Chanel и на церемонии British Fashion Awards награждается как лучший дизайнер аксессуаров. В 1993 году он проводит свой успешный дебютный показ шляп на Неделе Моды в Лондоне.

Его творения использовались в «белой коллекции» высокой моды Александра Маккуина (Givenchy, Париж). Разрабатывал шляпы для Карла Лагерфельда (Chanel), для Валентино, Ральфа Лорена и Донны Каран.

В 2005 году спроектировал свадебную шляпку для английской принцессы Камиллы Паркер-Боулз.

Трейси разработал шляпы для съёмок различных кинофильмов, включая фильмы о Гарри Поттере и «Секс в большом городе» (в последнем её носит Сара Джессика Паркер). 29 апреля 2011 года на свадьбе принца Уильяма и Кэтрин Миддлтон насчитывалось 36 шляп работы Трейси, включая шляпку принцессы Беатрис, которую широко обсмеяли средства массовой информации.