Tagged: Contemporary Art

Эстер Сарто. Силы природы

Эстер Сарто, 24-летняя художница из Копенгагена, создает гуашевые и акварельные работы, которые так же тревожны, как и изящны. Сарто, также известная как «Мисс Бег» – уличный художник, часто использует голых, запутанных между собой людей и растительную жизнь, чтобы выразить свои чувства. «Я не очень люблю разговаривать». «Есть много проблем, которые вы можете выразить лучше без слов. Часто смысл лежит между строк».

Вильгельм Сасналь / Wilhelm Sasnal

Вильгельм Сасналь родился в Тарнуве, Польша, в 1972 году. В течение двух лет он учился архитектуре в Политехнике, Краков, начиная с 1992 года, а затем стал учеником живописи в Академии наук Штук Пинкич в Кракове, Польша. В то время как он помогал сформировать коллектив художников, который выставлялся вместе как группа «Ладни» до 2000 года. Иронически названный в честь польского слова, означающего «симпатичный» или «приятный», участники делали картины своих современных, часто банальных окрестностей. Саснал закончил учебу в 1999 году, а затем недолго работал в рекламных компаниях в Кракове, а также занимался живописью, графическими романами (его арт использовался в двух фильмах «Machina» и «Przekroj»), фотографиях и фильмах.

Сасналь рисует карандашом и маслом, так же делает чернильные рисунки, увлекается фотографией и видео. В своем искусстве он использует различные средства массовой информации и культивирует неравномерную практику.

Сасналь – прежде всего художник. Он рисует самые разнообразные темы: более или менее банальные повседневные предметы, портреты исторических фигур, взгляды на его родной город Краков, снимки друзей и членов семьи и очень часто существующие изображения из Интернета или средства массовой информации являются его отправной точкой. Другие источники включают в себя графический роман Холокоста 1973 года Мауза и фотографии из фильма Клода Ланцмана 1985 года «Шоа» в качестве исходного материала. Даже если на протяжении многих лет можно разглядеть ряд общих тем, всегда есть новые картины, которые еще раз меняют акценты и связи. То же самое относится к его стилю живописи. Его подход непредсказуем, и его методы варьируются от графического сокращения и острого двумерного, ориентированного на иллюстрации стиля, до кажущихся автономными жестами с кистью и краской. Однако, как и Нео Раух, Сасналь делает захват коммунистической эры на посткоммунистическом воображении своим предметом.

Ларс Эллинг. Трудное детство

Ларс Эллинг (Lars Elling, 1966) получил образование в Национальной академии искусств Бергена (1988-92).

Эллинг – рассказчик. Его слои образов вызывают воспоминания о детстве, с возможными нарушениями и травмами, написанными между строк. Семья – повторяющаяся тема в работах Эллинга; знакомые моменты, пронизанные неожиданными или неприятными элементами. Формальный аспект картин Эллинга характеризуется стиранием и разрушением. Чистое визуальное выражение имеет значимую функцию, где история и поэзия являются прочными основами. Картины можно рассматривать как всплеск памяти, описание момента; поэтическое выражение, которое можно сравнить с работами Фрэнсиса Бэкона.

Ларс Эллинг работает с языком, но не в традиционном смысле. Этот момент можно проиллюстрировать, сравнивая способ рисования Эллинга с фильмом Шанталь Акерман, «Toute Une Nuit». Ни Аккерман, ни Эллинг не могут быть декодированы с использованием строгого структурализма; характер их произведений опаздывает в их символизме и, таким образом, не избегает аспектов меланхолии. Фильм – один из самых простейших визуальных, когда-либо созданных в истории кинематографа, где мы встречаем около 50 разных людей, которые мало чем отличаются друг от друга летней ночью. Тем не менее Акерман была очень точна в написании сценария своего фильма, что удивительно, так как вполне естественно предположить, что такое чистое визуальное выражение не требует языка. Существует язык, который нельзя читать линейным способом, язык – это эмоция или символ, который может быть выражен только через эстетическую материю.

Фил Хейл. Фигуративная живопись

До обращения к изобразительному искусству он работал иллюстратором, занимаясь в основном фигуративным трудом. Был учеником и партнером с американским художником Риком Берри.

В настоящее время художник придерживается фигуративной живописи, в соцетании с сюрреалистическими сценами заднего плана и странными персонажами, исполняющими различные физические подвиги, обычно в какой-то конфронтации..

Портрет бывшего премьер-министра Соединенного Королевства Тони Блэра был выставлен в Вестминстере 23 апреля 2008 года. Г-н Блэр сидел за портретом в последние месяцы своего пребывания в должности в 2007 году.

Недавно, художник создал кинопроизводственную компанию «unprofessional.com» со своим сыном Каллумом Хейлом Томсоном. Компания специализируется на индивидуальном кинопроизводстве.

Эрик Булатов. Соц-арт

Один из самых известных современных русских художников. Один из основателей соц-арта.

Родился в 1933 году в Свердловске (ныне Екатеринбург). Отец — Владимир Борисович, родом из Саратова, был партийным работником (вступил в партию в 1918 году), в 1944 году погиб на фронте, мать Раиса Павловна — из города Белосток (Польша), нелегально эмигрировала в Россию в возрасте 15 лет; уже через три года устроилась на работу стенографисткой — несмотря на то, что по приезде не знала русский язык (владела только польским и идишем).

По словам Эрика Булатова, его отец почему-то очень верил в то, что он будет художником.

В 1958 году окончил Художественный институт имени В. И. Сурикова. С 1959 года работал в детском издательстве «Детгиз» вместе с Кабаковым и Васильевым. Выставочную деятельность в Москве начал с 1957, а с 1973 года уже за границей.

Характерным и узнаваемым творческим методом Булатова является столкновение плакатного текста, выхваченного из контекста советской действительности, с фигуративной (чаще всего пейзажной, заимствованной из массовой печати) составляющей. В результате художнику удаётся предельно доступным образом проиллюстрировать абсурдность действительности, перенасыщенной символикой советской пропаганды.

 

Помимо работ соц-артовской тематики, ещё в своих ранних работах Булатов разработал теорию взаимодействия картины и пространства. В этих его произведениях заметно влияние Фалька. Сильный, своеобразный этап его творчества, неоценённый по достоинству в контексте истории искусства.

Работы Булатова постоянно выставляются на аукционные торги современного искусства. Так, на аукционе «Филипс» работа «Советский космос» ушла примерно за 1,6 млн долларов, ещё два полотна на советскую тематику, в том числе «Революция — перестройка», были проданы по миллиону долларов за каждое, что сделало Булатова одним из самых дорогих современных русских художников.

С 1963 г. до конца 1960-х Эрик Булатов экспериментирует с различными модернистскими стилями в живописи, обнаружил свой интерес в анализе пространственных, световых и цветовых качествах картины. В СССР художник не мог выставляться по соображениям цензуры, лишь в 1965 и 1968 прошли кратковременные показы его работ в Курчатовском институте и кафе «Синяя птица» в Москве. В начале 1970-х начал создавать крупномасштабные картины, в них, как правило, он обращается к социальным темам и масс-медийным образам советской действительности: изображает лозунги, надписи, плакаты. В 1972 создает знаменитый «Горизонт». В период перестройки картина была воспринята как пародийное произведение и даже отождествлялась со стилем соц-арт. В 1988 после серии крупных персональных выставок — в Кунстхалле (Цюрих), Центре Жоржа Помпиду (Париж) и др., а также участия в Венецианской биеннале, стремительно получил международное признание: был назван «художником перестройки» и признан ЮНЕСКО лучшим художником года. Большая часть произведений Эрика Булатова попали в западные коллекции и музеи.

С 1989 жил в Нью-Йорке, в 1992 переезжает в Париж. В 2003 впервые на родине прошла выставка его графики, а в 2006 — первый ретроспективный показ его живописных произведений (обе выставки в Третьяковской галерее, Москва). В 2013 стал лауреатом Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» в номинации «За творческий вклад в развитие современного искусства». В 2015 году художник был приглашен для создания масштабных полотен при открытии нового здания Музея современного искусства «Гараж» в Москве.

Живёт в Москве и Париже. В России представлен галереей pop/off/art.

Бретт Амори. Cовременная фигуративная живопись

Родился в 1975 году в Chesapeake, штат Вирджиния. Бретт Амори произошел от плеяды визуальных художников и музыкантов. Он окончил Академию художеств в 2005 году и получил две крупные награды, присуждаемые академией: Премия Студенческого выбора за 2004 год и вторую премию в области пейзажной живописи за 2003 год. Он является обладателем золотой медали Online Artists Interviews, международного конкурса искусств (2009). Бретт начал работать над серией живописи под названием «Ожидание» в 2001 году. В серии изображено стремление городского человека к присутствию и невозможность его достижения. Картины, изображающие пассажиров в пути, погружаются в спокойное, даже обнадеживающее состояние или, альтернативно, скорбь несостоявшегося ожидания.

Серия лекций по философии современного искусства.

Лектор: Клюшников Борис – философ и историк искусства, специалист в области методологии искусствознания, научный сотрудник ГЦСИ-NCCA и автор публикаций по проблемам онтологии искусства.

Философия современного искусства включает в себя большое число источников: это и феноменология, и герменевтика, и критическая теория, и постмодерная критика культуры, и различные виды новой метафизики, и философия языка и сознания. Но общим знаменателем для столь различных философских программ становится представление о жизненном мире или о мире явлений как источнике творчества. Искусство существует не как интерпретация или отражение мира, но как момент, в котором мир или смысл сбывается. Творчество выступает не как качество или интерес субъекта, но ключевое проявление мира или бытия, в котором существуют и субъект, и объект. Так как природа уже имеет сама возможность проявиться или выразить себя, то искусство понимается как нечто сверхпроявленное, сверхпатетическое, преодолевающее себя. Искусство отличается тогда от мышления только своим моментальным характером, тем, что оно уже есть в бытии как бытие. Для описания этих эффектов искусства может использоваться аппарат психоанализа, психотерапии, перформативной теории, а также старой метафизики или мистики.

 

«Марина Абрамович: В присутствии художника»

Югославская художница Марина Абрамович называет себя «бабушкой перформанса». И у нее есть на то все основания. Сегодня в этом виде актуального искусства ей, пожалуй, нет равных, а впервые она обратила на себя внимание арт-сообщества еще в 1974 году.

Документальный фильм Мэттью Эйкерса рассказывает о подготовке Марины к своей ретроспективной выставке в Музее современного искусства в Нью-Йорке (ставшей крупнейшим перформансом в истории MoMA). Ее посетители смогли не только увидеть, но и лично поучаствовать в реконструкциях самых знаковых и провокативных перформансов художницы, один из которых длился 736,5 часов (каждый желающий мог смотреть прямо в глаза Абрамович 30 минут, что приводило к самым непредсказуемым последствиям). Мало кто сможет повторить то, на что способна Марина. Но те, кому это удастся, поймут, что значит не только «присутствовать», но и «быть» здесь и сейчас.